Národní galerie (Londýn)

V roce 1823 nabídl sběratel sir George Beaumont britské vládě svou slavnou sbírku obrazů k založení veřejné umělecké galerie. V roce 1824 byla na prodej další slavná sbírka obrazů. Její majitel John Julius Angerstein zemřel. Zdálo se, že jeho obrazy budou prodány mimo Anglii. Pak přišla další nabídka obrazů od třetího sběratele, reverenda Holwella Carra. Parlament se musel rychle rozhodnout.

Parlament odhlasoval, že by měla být založena národní sbírka a vybudována galerie. Na nákup Angersteinových obrazů věnovali 60 000 liber šterlinků. Získali 38 obrazů a mohli je veřejně vystavit v Angersteinském domě.

Sbírka se rychle rozrostla o obrazy Beaumonta a Holwella Carra a další obrazy, které byly zakoupeny nebo darovány. Bylo třeba zřídit novou galerii. V roce 1831 byly přijaty plány architekta Williama Wilkinse. Bylo vybráno místo s výhledem na Trafalgarské náměstí, staré budovy byly zbourány a 9. dubna 1838 byla otevřena nádherná nová galerie.

V době otevření Národní galerie převládal názor, že nejkvalitnějším druhem umění jsou obrazy vrcholné renesance z konce 14. století až po baroko 16. století. Slovo primitivní se používalo pro označení italských obrazů z období 1300 a počátku 1400 let. Naštěstí ředitel galerie sir Charles Eastlake považoval za důležité shromáždit některé z těchto primitivních obrazů, stejně jako populárnější obrazy vrcholné renesance. Tak se Národní galerie stala vlastníkem mnoha velmi vzácných děl z období pozdního středověku a rané renesance.

V 70. letech 19. století se galerii poštěstilo získat dvě sbírky obrazů slavných nizozemských umělců. Pro jejich umístění musela být budova rozšířena. Galerie dostala také obrazy slavných britských umělců; brzy jich bylo tolik, že většina z nich byla přestěhována do nové galerie zvané Tate.

Ve 20. století bylo stále obtížnější koupit velmi významné obrazy; ve Spojených státech a v Německu byly další galerie, které se snažily koupit stejné obrazy. Národní galerie tedy začala nakupovat díla modernějších malířů a brzy měla sbírku obrazů 19. a počátku 20. století. Ta sice netvoří velkou část sbírky Národní galerie, ale jsou v ní zastoupena drobná díla mnoha velmi významných umělců, zejména impresionistů.

Raná italština

• Duccio, Madona s dítětem, kolem roku 1300, Sienna
• Masaccio, Madona s dítětem, kolem roku 1426, Florencie
• Fra Angelico, Kristus ve slávě, asi 1435, Florencie

• Uccello, Svatý Jiří a drak, kolem roku 1450, Florencie

Příběh tohoto obrazu je křesťanská legenda o drakovi, který ukradl princeznu. Princezna draka očarovala a spoutala ho svým pásem, ale nemohla utéct. Na pomoc jí přišel urozený Jiří a draka zabil. V Národní galerii je mnoho obrazů svatého Jiří, protože je patronem Anglie. Uccello se snažil zobrazit perspektivu krajiny uspořádáním světlých a tmavých ploch na zemi. Na tomto obraze jsou důležité diagonální linie. Linie tvořená dračím křídlem a nohou jde stejným směrem jako Jiřího kopí, zatímco tělo a ocas jdou opačným směrem.

• Piero della Francesca, Křest Krista, asi 1450, Umbrie
• Mantegna, Agónie v zahradě, 1460, Mantua
• Pollaiuolo, Umučení svatého Šebestiána, 1475, Florencie

• Sandro Botticelli, Mars a Venuše, 80. léta 14. století, Florencie

Příběh tohoto obrazu pochází z římské mytologie. Mars, bůh války, se miluje s Venuší, bohyní lásky. Je tak unavený, že neví, že si malí faunové hrají s jeho zbraněmi. Jeden z nich se však chystá hlasitě mu fouknout do ucha velkou mušli. Poselstvím tohoto obrazu je, že Láska může zvítězit nad válkou. Základem návrhu je velké W., díky němuž je obraz symetrický. Botticelli jej vytvořil pro ložnici Giuliana de'Medici, bohatého florentského šlechtice. Namaloval Marse, který měl vypadat jako Giuliano, a Venuši, která měla vypadat jako jeho přítelkyně, ale Giuliano neměl moc času se z jeho obrazů radovat, protože byl jen krátce nato zavražděn.

• Perugino, Madona s dítětem a anděly Michaelem a Rafaelem, 1496, Perugia
• Giovanni Bellini, Portrét Leonarda Loredana, benátského dóžete, 1501, Benátky

Rané severoevropské malířství

• Neznámý malíř, Wiltonský diptych, asi 1395, Anglie nebo Francie

Wiltonský diptych je jedním z nejcennějších obrazů v Národní galerii, protože většina drobných uměleckých děl ze středověku v Anglii byla zničena. Na tomto obraze je anglický král Richard II. představen Panně Marii svými třemi patrony. Je namalován temperou; barvy jsou míchány s vejcem. Slovo "diptych" znamená, že se skládá ze dvou částí a lze jej zavřít jako knihu. Pozadí je pokryto tence tlučeným plátkovým zlatem. Modrá barva je vyrobena z rozemletého polodrahokamu lapis lazuli. Možná byl namalován jako svatební dar pro krále během jeho pobytu ve Francii.

• Jan van Eyck, Svatba v Arnolfini, 1434, Belgie
• Hans Memling, Panna s dítětem se světci a dárci, 1477, Bruggy
• Rogier van der Weyden, Pieta, asi 1460, Brusel
• Hieronymous Bosch, Posmívání se Kristu, asi 1480, Bois-le-Duc
• Albrecht Dürer, Malířův otec, 1497, Norimberk

• Gerard David, Panna s dítětem se světci a dárcem, 1505, Bruggy.

Tento obraz je oltářním obrazem pro kostel. Zobrazuje Pannu Marii sedící jako královna na trůnu s dítětem Ježíšem. Klaní se mu tři světice a muž, který zaplatil malíři za obraz pro kostel. Říká se mu "donátor". Všechno na obraze je namalováno do nejmenších detailů, šaty, dlaždice, šperky, budovy i květiny. Mnohé z věcí na obraze jsou symboly. Pejsek je symbolem věrnosti. Lilie jsou symbolem čistoty Panny Marie. Obraz nezobrazuje část příběhu nebo časový okamžik. Obraz byl namalován proto, aby divákovi pomohl zklidnit mysl k modlitbě.

• Lucas Cranach, Amorek poštípaný včelou, 1522, Weimer
• Hans Holbein, Velvyslanci, 1533, narozen v Augsburgu, zemřel v Londýně. Viz níže.
• Pieter Breughel starší, Klanění králů, 1564, Brusel

Itálie v roce 1500

• Leonardo da Vinci, Skalní panna, asi 1506, Milán. Viz níže.
• Michelangelo, Ukládání Krista do hrobu, asi 1506, Řím. Viz níže.
• Rafael, Ansidei Madonna, kolem roku 1505,
• Giorgione, Klanění králů, 1507, Benátky

• Tizian, Bakchus a Ariadna, 1523, Benátky

Tento obrázek pochází z řecké mytologie. Princezna Ariadna ztroskotala na Naxu, ostrově Bakcha. Bakchus Ariadnu spatří a na první pohled se do ní zamiluje. Tizian ho zobrazuje, jak seskakuje z vozu taženého gepardy, zatímco Ariadna se obrací k útěku. Ariadna však pohlédla Bakchovi do očí a také se zamilovala. Na obloze je koruna z hvězd, kterou jí Bakchus daroval při jejich svatbě. Tizian u mnoha postav namaloval spirálovitý pohyb. Je to vidět i na Ariadnině červeném šátku. Přestože se tento obraz týká mytologie, postavy jsou velmi realistické.

• Parmigiano, Madona s dítětem a svatým Janem, 1527, Parma

• Lorenzo Lotto, Dáma jako Lukrécie, 1530, Benátky

Portrét zobrazuje ženu v bohatě barevných sametových šatech, která drží kresbu Lukrécie, vznešené ženy ze starověkého Říma, která po znásilnění spáchala sebevraždu ubodáním. Obraz byl možná namalován pro rodinu, která chtěla, aby se její dcera dobře provdala. Symbolika obrazu ukazuje, že mladá žena je za prvé bohatá a za druhé sexuálně čistá. Tyto dvě věci byly důležité pro uzavření dobrého manželství. Lotto použil kontrast barev v oranžových a zelených šatech, aby dosáhl bohatého efektu. Neobvykle využil také kontrastu tónů. Velmi světlé oblasti, jako je její obličej, ňadra a ruka, ovládají střed obrazu. Další tři velmi světlé plochy jsou umístěny po pravé straně, kresba, ruka a poznámka. Toto uspořádání je asymetrické

• Bronzino, Alegorie, kolem roku 1550, Florencie. Viz níže.
• Tintoretto, Svatý Jiří a drak, 60. léta 15. století, Benátky

Itálie, Francie a Španělsko v 16. století

• Caravaggio, Večeře v Emauzích, kolem roku 1600, Řím

Tento obraz vychází z biblického příběhu. Dva Ježíšovi následovníci kráčeli po cestě do Emauz a smutně hovořili o Ježíšově smrti. Přišel k nim muž a šel s nimi, ale oni ho zprvu neznali. Toho večera, když večeřeli v hostinci, najednou poznali, že je to Ježíš, který vstal z mrtvých a nyní žije. Caravaggio tento okamžik zobrazil jako fotografii. To, díky čemu tento obraz působí tak reálně, je světlo, pohyb a detaily. Caravaggio namaloval světlo vycházející z jedné strany, jako by tam byla velká lampa. Hlava hostinského vytváří za Ježíšem stín, který připomíná svatozář. Obraz zachytil jedinou vteřinu, kdy Ježíš zvedl ruku, jeden muž se začíná zvedat a druhý rozhazuje rukama. Jen hostinský se nehýbe. Pohled na Ježíšovu ruku, paže muže a loket druhého muže je předsunutý. Detaily ukazují obyčejné lidi s obyčejným oblečením, které je staré a roztrhané. Je zde také zátiší košíku na okraji stolu. Caravaggiovo nasvícení a realismus kopírovalo mnoho dalších malířů, včetně Rembrandta a Velazqueze.

• El Greco, Kristus vyhání kupce z chrámu, asi 1600, Toledo
• Annibale Carracci, Quo vadis? , 1602, Řím

• Claude Le Lorrain, Odjezd královny ze Sáby, 1648, Francie a Řím

Tato imaginární krajina vychází z biblického příběhu. V této scéně se královna ze Sáby vydává na cestu z Afriky do Palestiny za králem Šalamounem. Ve skutečnosti však chtěl umělec ukázat mlhavé ranní světlo východu slunce nad mořem. Namaloval také tři různé typy budov. Vlevo je antická zřícenina podobná těm, které umělec viděl v Římě. V pozadí je hrad a věž ze středověku. Vlevo vychází královna z velkolepého paláce v novém renesančním stylu. Nic na tomto obraze nemá nic společného s Afrikou nebo Palestinou. Jde o Řím. Zobrazením královny ze Sáby Poussin říká, že město Řím s celou svou dvoutisíciletou historií je jako nejkrásnější a nejinteligentnější královna, která kdy žila. Takovému obrazu se říká "alegorie".

• Nicholas Poussin, Bakchanálie, 1603, Francie a Řím

Tento obraz je výjevem z římské mytologie. Ženy jsou nymfy, duchové lesa. Někteří muži jsou satyrové a mají kozí rohy a kopyta. Žijí na Naxu, ostrově Bakcha, a tráví spoustu času opíjením, tancem a milováním. Při této divoké zábavě pijí víno i děti. Jedna nymfa se chystá rozbít džbán s vínem o hlavu satyra, který se snaží políbit jejího přítele. Poussin použil velké plochy jasných barev. Na první pohled obraz vypadá jako změť těl, ale vše je velmi pečlivě uspořádáno tak, aby celý obraz působil tanečním dojmem. Všechny postavy obsahuje velký trojúhelníkový tvar. Mimo trojúhelník vpravo je socha Pana. Na levé straně je krásná krajina.

• Diego Velazquez, Venuše z Rokeby, 1649, Madrid.

Tento obrázek pochází z římské mytologie. Zobrazuje Venuši, bohyni lásky a krásy, jak se dívá do zrcadla, které drží její syn Amor. Velazquez trávil většinu času malováním portrétů pro španělskou královskou rodinu a její příbuzné. Je jedním z nejslavnějších portrétistů všech dob. Tento obraz však pravděpodobně namaloval pro sebe, a když ho namaloval, vystavil se nebezpečí vážného trestu. Ve Španělsku sice vládl král, ale církev měla vše pod kontrolou. Sledovala vše, co kdo dělal, a nechala popravit velmi mnoho lidí. Malovat nahé obrazy, jako je tento, bylo ve Španělsku protizákonné. Velazquez si dal záležet, aby ukázal pouze její záda. Obraz obličeje není příliš zřetelný. Stará zrcadla nebyla tak průhledná jako ta moderní. Možná chtěl Velazquez tvář ženy zamaskovat kvůli její ochraně. Uspořádání a barevnost obrazu jsou velmi jednoduché. Půvabné linie těla se opakují v šedobílých pokrývkách postele. Červený závěs je ve stejném úhlu jako hlava a má teplou barvu, stejně jako její růžové tělo.

• Murillo, Dvě trojice, 1681, Sevilla

Holandsko a Flandry v 16. století

• Gerrit von Honthorst, Kristus před veleknězem, 1617, Utrecht

• Rembrandt, Belšasarova hostina, 30. léta 16. století, Leyden

Rembrandt je známý především jako malíř portrétů, zejména mnoha autoportrétů, které zachycují jeho život od mládí až po stáří. Namaloval také mnoho výjevů z Bible, jako je tento. Otec knížete Belšasara odvedl židovský lid do Babylonu jako otroky. Belšasar pořádal oslavu a poslal služebníky, aby přinesli zlaté poháry, které byly ukradeny z jeruzalémského chrámu. Náhle se objevila cizí ruka a napsala na zeď vzkaz. Nikdo nevěděl, co to znamená, a tak se Balsazar zeptal Daniela, který byl židovským prorokem. Daniel řekl: "Bůh tě zvážil a změřil. Nevyhovuješ Božím pravidlům. Tvé dny jsou sečteny!" Tento obraz ukazuje, jak moc se holandští malíři od Caravaggia naučili. Tento obraz lze přirovnat k Večeři v Emauzích. Je to další scéna plná dramatu. Rembrandt umístil dvě z postav do neobvyklých úhlů. Belšasarovo tělo je obráceno k divákovi, ale jeho hlava je natočena tak, aby viděla, co se děje za ním. Když vyskočí ze židle, srazí zlatý pohár, který drží jedna z jeho žen. Ta je také v podivném úhlu, protože divák se dívá dolů na její hlavu a ramena. Rembrandt vytvořil kontrast mezi bohatou strukturou jeho roucha a jeho ochablým obličejem a tlustým břichem.

• Anthony van Dyck, Karel I. Anglický na koni, 1631, Londýn. Viz níže.

• Peter Paul Rubens, Pařížský soud, 1632, Antverpy

Rubens byl tak oblíbeným malířem, že zbohatl a proslavil se. Maloval portréty a mnoho výjevů z Bible a mytologie. Příběh tohoto obrazu je z řecké a římské mytologie. Paris byl princ, kterého vychovával pastýř. Dostal zlaté jablko a byl požádán, aby posoudil soutěž krásy mezi třemi bohyněmi: Juno, bohyně rodiny, Minerva, bohyně války, a Venuše, bohyně lásky. Každá z nich nabízela odměnu: bohatství, úspěch v boji a nejkrásnější ženu na světě za manželku. Paris si vybral poslední z nich a jablko dal Venuši. To rozzlobilo dva velmi mocné lidi. A to ještě netušil, že nejkrásnější žena světa, HelenaTrojská, už je vdaná. Rubens namaloval obraz, který měl zdobit stěnu domu bohatého mecenáše. Obraz má spoustu detailů, které pomáhají vyprávět příběh. Patří mezi ně malý Amor, ovčácký pes, Junin páv, Minervin strašidelný štít a ovce pasoucí se v krásné krajině. Nejdůležitější jsou však na obraze tři krásné akty. Právě díky nim byly Rubenovy obrazy tak oblíbené.

• Franz Hals, Rodinná skupina, 40. léta 16. století, Antverpy
• Pieter der Hoogh, Nádvoří v Delftu, 1658, Delft. Viz níže.
• Johannes Vermeer, Mladá žena u panen, asi 1670, Delft. Viz níže.

• Meyndert Hobbema, The Avenue, 1689, Middelharnis

Krajinomalba se v Holandsku stala velmi populární v 16. století. Na tomto obraze je velmi důležitá perspektiva. Ve velmi rovinaté krajině může být těžké posoudit, jak jsou věci daleko. Hobbema použil tuto rovnou cestu se dvěma řadami vysokých stromů, aby navodil pocit, jak daleko je město. Na první pohled se tento obraz zdá být poměrně symetrický. Hobbema však přidal spoustu odlišností, aby obraz učinil zajímavějším, a to tak, že na jedné straně vyvažuje statek a na druhé kostel a obě řady stromů jsou zcela odlišné.

Sedmnáctá léta 20. století

• Watteau, Milenci, kolem roku 1720, Francie
• Giambattista Pittoni , Obětování Polyxeny, 1740, Benátky
• Canaletto, Nádvoří svatého Marka v den Nanebevstoupení Páně, asi 1740, Benátky
• Chardin, Malý učitel, asi 1740, Paříž. Viz níže.
• William Hogarth, Marriage a la Mode (příběh v šesti obrazech), 1743, Londýn

• George Stubbs, Rodina ve faetonu, asi 1750, Anglie

Ve století 1700 byly v Anglii oblíbené krajinomalby, ale nešlo jen o obrazy krásné přírody namalované jako dekorace do pokoje. Většina krajinomaleb byla také záznamem o rodině a pozemcích, které vlastnila. Byly známkou bohatství a postavení rodiny. Na tomto obraze se majitelé půdy chlubí svým soukromým parkem s rozmanitými stromy. Předvádějí také svůj nádherný pár koní a elegantní kočár zvaný "faeton". Společně tento kočár a koně představují obdobu velmi drahého automobilu 18. století. Stubbs se nejvíce proslavil malováním koní. Byl mistrem v komponování krásných obrazů. Zde vytvořil rovnováhu mezi velkým módním kloboukem dámy na pozadí tmavého stromu a černými koňmi na pozadí světlé oblohy.

• Tiepolo, Alegorie lásky a času, 1754, Itálie
• Joshua Reynolds, Sir Banastre Tarleton, 1782, Londýn
• Thomas Gainsborough, Ranní procházka, 1786, Londýn
• Goya, Vévoda z Wellingtonu, 1812, Španělsko a Francie

Od roku 1800

• Turner, Temeraire, 1838, Londýn

Je to smutný obraz. Jeho celý název zní Bojující Temeraire vlečený k poslednímu kotvišti, aby byl rozbit na šrot. Jedná se o poslední cestu jedné z velkých válečných lodí, která bojovala za Anglii proti francouzskému loďstvu v bitvě u Trafalgaru. Její vysoké elegantní tvary tvoří kontrast ke špinavému černému remorkéru s kouřícím komínem, který ji odtahuje. Turner, který byl odborníkem na malování moře, oblohy a počasí, umístil na oblohu poblíž plachetnice měsíc. Měsíc je ve své poslední fázi. Na druhé straně obrazu vychází slunce s rudou září jako oheň na vodě. Ubývající měsíc je symbolem odchodu věku velkých plachetnic. Planoucí slunce na vodě je symbolem nového věku parního stroje.

• Constable, The Haywain, 1821, Suffolk
• Ingres, Madame Moitessier, 1856, Paříž
• Courbet, Ženy na břehu Seiny, 1857, Francie

• Henri Fantin-Latour, Jablka na talíři, 1861, Francie

Tento obrázek je zátiší. V renesanci byly řezby zátiší často součástí dřevěné výzdoby důležitých místností v paláci. V 16. a 17. století se malby zátiší staly také běžnými a nejčastěji byly k vidění v jídelně, kde byly módní dekorací ovoce, květiny a zvířata zabitá na maso. V 19. století malovalo mnoho umělců jako Fantin-Latour malá zátiší, jako je toto, aby si procvičili své dovednosti v aranžování obrazu, ve studiu světla a ve studiu textury. Mnoho umělců malovalo zátiší také proto, že byli příliš chudí na to, aby si zaplatili umělecký model, nebo bylo příliš špatné počasí na malování krajin. Fantin-Latour vytvořil velké množství takovýchto malých obrazů. Naaranžoval čtyři jablka různých barev a tvarů a provedl studii, jak vypadá světlo na jejich zakřiveném povrchu.

• Manet, Číšnice, 1879, Paříž
• Claude Monet, The Houses of Parliament, Londýn, francouzský malíř. Viz níže.
• Renoir, Deštníky, cca 1880, Francie

• Seurat, Koupající se v Asnieres, 1884, Francie

Seurat byl přítelem francouzských impresionistických malířů. Měl teorii, že všechny barvy se skládají z mnoha barev, které se při průchodu světla do oka třídí. S barvami experimentoval tak, že maloval drobnými tečkami. Jeho styl malby se nazývá pointilismus. Tento velký obraz vznikal dlouho. Přestože se jedná o venkovní výjev se spoustou postav, je velmi klidný, jako by se zastavil čas. Když se na obraz podíváme zblízka, vidíme, že i části, které se zdají být bílé nebo černé, jsou tvořeny stovkami drobných barevných teček.

• EdgarDegas, Česání vlasů, asi 1885, Paříž
• Cézanne, Hory v Provence, 1890, Provence

• Vincent van Gogh, Krajina s cypřišem, asi 1890, Francie

Vincent van Gogh měl těžký a pohnutý život. Narodil se v Holandsku, ale malovat odešel do Francie. Měl jen velmi málo přátel a měl potíže s prodejem svých obrazů. Naštěstí měl podporu svého bratra Thea a lékaře, pro kterého maloval obrazy. Tato krajina je dobrou ukázkou jeho stylu. Na obraze se zdá, že vše žije vlastním životem. Mraky jsou jako velké šelmy, které se valí po obloze, vlnící se obilí se natahuje jako ruce, hory hučí a cypřišová borovice vypadá dost nebezpečně. Vincent každým tahem štětce pomáhal vytvářet tento plamenný pohyb. Další důležitou věcí na tomto obraze je kontrast. Barvy se mění z teplé červenooranžové na ledově modrou. Velký tmavý strom vpravo je v tonálním kontrastu s bílými mraky. Vertikální směr stromu je v kontrastu s horizontálním směrem krajiny. V roce 1890 si Vincent vzal život poté, co během pouhých pěti let namaloval stovky obrazů.

• Henri Toulouse-Lautrec, Žena v zahradě, 1891, Francie
• Douanier Rousseau, Tygr vyplašený bouří, 1891, Paříž
• Gustav Klimt, Portrét Hermine Gallie, 1904, Vídeň

• Uffizi
• Louvre
• Hermitage